Обратная связь
Вторник, 14 Январь 2014 00:00

Классицизм

Автор: 
Оцените материал
(0 голосов)

Классицизм

Термин «Классицизм» (от лат. сlassicus – образцовый, типический, совершенный) сложился в литературоведении и истории искусств, где он указывал ориентацию на искусство Древней Греции и Рима. Позже он начал употребляться в смыслах «образцовый», «совершенный». Потому этим словом в истории музыки обозначаются либо 1) как соответствие определенным образцам, высокая степень совершенства в созданных произведениях (так, мы говорим «Мусоргский и Чайковский – великие русские композиторы-классики», «классическая музыка», противопоставляя её музыкальному масскульту, «Шостакович и Прокофьев – классики отечественной музыки ХХ века» и т. п.); либо 2) как конкретный исторический стиль.

В музыке этого стиля обретает завершенность и становится своего рода каноном – именно в классическом своем проявлении – гомофонический тип изложения. Музыка классицизма предельно отчетлива с точки зрения ладовой (мажор - минор) определенности. Тональная централизация в ней максимально устойчива, что обеспечивает хорошо слышимые в своей логичности отклонения и модуляции – переходы из одной тональности в другую.

Столь же очевидным для слуха становится гармонический язык в музыке этого стиля, определяющий логику многоголосия и фактуру в произведениях: на первый план выдвигаются аккорды, выполняющие основные гармонические функции - тоника, субдоминанта, кадансовый квартсекстаккорд, доминанта. В Классицизме т. н. автентический каданс начинает определять строение музыкальных произведений, влияя тем самым на логику музыкальной формы. Педагогу целесообразно продемонстрировать ученикам аккордовую схему каданса в мажоре и показать – уже на примерах русского городского романса и современной развлекательной музыкальной продукции – насколько эта гармоническая схема оказалась жизнеспособной. Нужно, чтобы ученики поняли: на основании нескольких аккордов можно создать неисчислимое множество произведений.

Отдельный разговор должен быть посвящен характеру классицистских мелодий. Здесь можно рекомендовать, чтобы ученики вспомнили уже знакомые произведения Моцарта или Бетховена; педагог делает гармонический анализ (например, основной темы Симфонии соль-минор Моцарта или Симфонии № 5 Бетховена), схематично подыгрывая на фортепиано аккордовую схему, на которую опирается мелодия. Это необходимо для того, чтобы ученики осознали неразрывную связь гармонии и мелодии в музыке эпохи Классицизма. Такая связь во многом обусловила ее ясность, простоту, строгость, а также отказ от мелизмов. Желательно, чтобы слух учеников зафиксировал фактурные возможности аккордики, лежащей в основе аккомпанемента. Для этого лучше всего подходят произведения с яркой, запоминающейся мелодией, в силу чего они обрели широчайшую популярность: типа «Мелодии» Глюка для флейты и фортепиано, Фантазия ре-минор для фортепиано Моцарта, арии Фигаро из его же оперы «Свадьба Фигаро» («Мальчик резвый») или темы второй части Седьмой симфонии Бетховена, и т. п. В любом случае, независимо от примера, который подберет учитель, музыка должна обладать мелодической «привлекательностью», во-первых, и во-вторых, простотой, чтобы педагог мог её в классе сам исполнить. Так необходимо потому, что существо классицистской аккордики и мелодики неразрывно связано с внятностью и предельной простотой (в сравнении с предшествующим Барокко и последующим Романтизмом) гармонических функций. Слух учеников должен быть сориентирован в этом стиле именно на гармонию. В противном случае в их слуховом восприятии сольётся несколько стилевых эпох, базирующихся на гармонии.

Подлинным открытием композиторов Венской классической школы является обобщение всех предшествующих исканий в сфере оркестровой музыки и создание нового монументального жанра сонатно-симфонического цикла. Именно он, наряду с оперой, явился наиболее полным и совершенным отражением в светской музыке реальности во всех её – наиболее значимых для человека – проявлениях. Более того, именно в сонатно-симфоническом цикле эти проявления обрели характер философских обобщений.

Сонатно-симфонический цикл в эпоху Классицизма – это жанр, который состоит из нескольких частей, обычно трёх, четырёх. Если такое произведение исполняется симфоническим оркестром, оно называется симфония; если каким-либо солирующим инструментом или солирующим инструментом с сопровождением, то оно называется соната; если каким-либо солирующим инструментом или даже голосом в сопровождении симфонического оркестра, то оно называется инструментальный концерт (концерт для фортепиано с оркестром); если оно предназначено для камерного ансамбля, то оно называется сообразно составу, который его исполняет – трио, квартет, квинтет и др.

Если симфония и инструментальный концерт в силу масштабов, массивности оркестрового звучания и сложности образов принципиально предназначены для публичного исполнения на эстраде, то соната и ансамблевые жанры могут быть как камерными (большинство произведений этих жанров у Моцарта и Гайдна), так и концертной (вся инструментальная музыка Бетховена может звучать на публичных концертах, исполняемая музыкантами-виртуозами).

Соната, симфония, концерт и ансамбли являются тембро-исполнительскими разновидностями одного и того же жанра – сонатно-симфонического цикла. Поэтому ученики должны в первую очередь знать основные образно-эмоциональные и композиционные признаки единой жанровой модели.

На уроках музыки в младших классах ученики изучают строение сонатного аллегро. Этот материал педагогу следует напомнить в старших классах, чтобы они представляли себе конфликт главной и побочной партий, а также этапы его развития – экспозицию, разработку и репризу, вступление и коду, если они имеются. Но для понимания величайшего вклада классицизма в музыкальное искусство в связи с созданием нового монументального жанра необходимо задать ученикам несколько иной ракурс понимания всех симфоний, сонат, концертов и др. в целом.

Сонатно-симфонический цикл – это обобщенный образ Человека в музыке. Каждая из частей цикла, независимо от автора конкретного произведения, по своей форме и выразительным средствам «приспособлена» для воплощения определенного круга чувств и мыслей. Последние связаны с наиболее значимыми для человека сторонами его жизни.

I часть – сонатное аллегро – по существу инструментальная музыкальная драма. Эта музыка обычно действенная, активная, как и полагается при наличии конфликта. В конфликт с внешним миром (ГП) вступает лирический «герой» (ПП) симфонии. И поскольку в репризе ПП звучит в тональности главной, то это означает подчинение человека внешним обстоятельствам, их победу над ним, причём без программной аннотации, сугубо музыкальными средствами. По этой причине сонатное аллегро I части символически может быть названо Homo Agent – Человек Действующий.

II часть – обычно лирическая (в трёхчастном цикле она может называться менуэт, а в четырёхчастном – меняется местами с третьей), идёт в медленном темпе. В ней композиторами воплощаются самые разнообразные стороны психологических переживаний. Это может быть просветленная лирика песенного плана, может быть скорбно-героический траурный марш, трагическая патетика ариозного Iamento, напряженные интеллектуальные музыкальные монологи. II лирическая часть символизирует обычно Homo Meditas – Человека Созерцающего.

III часть – скерцо (шутка), характерна для развития четырёхчастного сонатно-симфонического цикла. Идёт обычно в умеренном темпе, но композиторы эту образную сферу раскрывают и в очень быстрых темпах. III часть – это чаще всего музыкальные досуги: здесь на первый план выходит стихия движения. Оно может быть радостно-танцевальным по характеру (в творчестве композиторов-классиков), но может приобретать пугающий размах стихии зла (в некоторых симфониях композиторов ХХ столетия – Шостаковича, Бартока, Онеггера, Шнитке и др.) – шутки иногда бывают очень опасными. По этим причинам скерцо является музыкальным символом Homo Ludens – Человека Играющего.

IV – финал, обычно тематически разнообразный, интонационно связанный с жанрами бытовой музыки, часто с танцами. В академической музыке обращение к интонациям бытовых жанров в качестве основы для тематизма обычно указывает на наличие образов общезначимых, связанных с жизнью коллектива. Финал является музыкальным символом Homo Communius – Человека Общественного.

Подобная образно-смысловая направленность ведущего жанра в музыке не только ХIX в., но и современной, созданного в творчестве композиторов Венской классической школы, присуща – в большей или меньшей степени – всем конкретным произведениям в жанре сонатно-симфонического цикла. Это, в свою очередь, указывает на масштаб таланта Гайдна, Моцарта и прежде всего Бетховена, которые сумели музыкальными средствами образно воплотить основной из философских вопросов в культуре Нового времени – проблему Человека и его взаимоотношений с самим собой, с другими людьми, с объективной реальностью.

Иные жанры инструментальной музыки, которые разрабатывались композиторами-классицистами: в симфонической музыке – увертюра, по своей форме соответствующая первой части сонатно-симфонического цикла – сонатному аллегро; камерные инструментальные жанры – рондо, вариации, сюита, серенада, дивертисмент и др.

В творчестве Моцарта и Бетховена есть образцы камерной вокальной музыки (соло, дуэты), которые называясь «песнями», реально являются предшественниками романса.

Дополнительная информация

  • Тема публикации: Классицизм
  • Предмет: музыка
  • ФИО автора: Артеменко Надежда Алексеевна
  • Должность: Педагог дополнительного образования
  • Учреждение: Государственное бюджетное общеобразовательное учреждение гимназия № 271 Красносельского района Санкт-Петербурга
  • Город: Санкт-Петербург
Прочитано 1269 раз Последнее изменение Среда, 22 Январь 2014 01:07
Артеменко Надежда Алексеевна

Педагог дополнительного образования гимназии №271

Сайт sch549.ru/blog/artemenko-nadezhda-alekseevna.html

Последнее от Артеменко Надежда Алексеевна

Авторизуйтесь, чтобы получить возможность оставлять комментарии

Формы

Контакты

для детей старше 6 лет